Avez-vous l’impression que vos pistes de batterie ne sont pas comparables à celles des autres musiciens de votre genre ? Ta batterie est plate ou trop métronomique ? Est-ce qu’elle manque d’originalité ou d’idées ?
Ce sont tous des problèmes très courants auxquels les producteurs de musique sont confrontés. Dans cet article, nous allons passer en revue 15 conseils pour faire passer vos beats au niveau supérieur.
La plupart de ces conseils peuvent être mis en pratique immédiatement, alors pourquoi ne pas commencer dès maintenant ?
1. Enregistrez vos rythmes en utilisant le MIDI
Il est tout à fait possible de séquencer des rythmes de batterie sur votre station audionumérique à l’aide d’une souris et d’un clavier, mais l’utilisation de pads de batterie MIDI peut donner un peu plus de vie à vos rythmes.
Si vous avez un bon rythme, vous pouvez créer des rythmes nouveaux et intéressants que vous n’auriez peut-être pas remarqués autrement.
La plupart des batteries électroniques comprennent une option MIDI, que vous pouvez connecter directement à votre ordinateur et commencer à enregistrer des pistes.
Sinon, quelque chose de simple et bon marché comme un Korg NanoPad est une excellente option.
L’utilisation de pads de batterie MIDI apporte deux avantages distincts à vos pistes MIDI de batterie : la vélocité et le timing. La force de vos frappes peut être enregistrée, ce qui ajoute une dynamique supplémentaire à votre jeu. Les pads de batterie sont également beaucoup plus faciles à frapper avec précision dans le temps qu’un clavier.
2. Étudiez les rythmes de batterie courants pour votre style de musique
Le type de musique que vous jouez a souvent un type de son de batterie caractéristique. C’est peut-être quelque chose que les fans s’attendent à entendre.
Par exemple, la musique house à un niveau de base, a souvent un son de kick classique sur chaque temps, un son de charleston entre tous ces sons (sur le « et » du temps).
Comprenez les » règles » de facto des rythmes de votre genre, puis décidez si vous voulez les enfreindre ou non ! En apportant de légères modifications aux rythmes courants de votre genre, vous pouvez tout de même obtenir un son original, ce n’est donc pas un mauvais point de départ.
3. Faut-il quantifier ?
Vous pouvez « quantifier » votre MIDI sur une grille afin que le timing soit absolument parfait. Cependant, réfléchissez bien avant de faire cela. Pour donner vie à vos rythmes, vous pouvez également ajouter un élément humain et autoriser de légères imperfections dans le son.
4. Modifier la vélocité ou utiliser les fonctions Swing & Groove
Vous pouvez modifier manuellement la vélocité des notes MIDI pour ajouter un peu plus de réalisme au jeu.
Certains logiciels audionumériques disposent également d’une fonction « swing » qui permet des fluctuations automatiques et aléatoires du timing et de la vélocité. Cela peut sembler une mauvaise chose de rendre intentionnellement le son moins « parfait », mais une cohérence parfaite dans la musique peut souvent donner un son très robotique.
5. Utilisez des échantillons de batterie et des plugins de qualité
Des échantillons de batterie libres de droits et bien produits pourraient être parfaits pour votre morceau. Peut-être préférez-vous utiliser le temps gagné pour vous concentrer sur d’autres parties de votre morceau, comme le chant, l’arrangement, la mélodie, le mixage et le mastering.
L’utilisation des échantillons de batterie et des presets est un sujet sur lequel les producteurs de musique resteront probablement toujours divisés. C’est une question de préférence. Si vous voulez les utiliser, allez-y. Toutefois, veillez à utiliser des échantillons de batterie dont vous avez la licence, sinon vous risquez d’avoir des problèmes par la suite. La dernière chose que vous souhaitez après une sortie réussie est de devoir vous engager dans une bataille juridique ou de réclamer vos redevances.
Il existe également de nombreux plugins de batterie qui vous aideront à créer un son de batterie fantastique. Consultez notre article sur les meilleurs VSTs de batterie pour plus d’informations.
6. Essayez de rendre le son de vos toms plus organique
Jon Hopkins, une légende moderne de la musique électronique, crée la plupart de ses rythmes en utilisant des enregistrements de sa propre voix et du beat-boxing. Cela permet à ses rythmes de ne ressembler à personne d’autre et l’aide vraiment à s’éloigner du son plus générique que les packs d’échantillons peuvent apporter.
Bien que vous n’ayez pas besoin d’aller aussi loin que Jon Hopkins. Si vous ne voulez pas enregistrer votre propre musique, vous devriez quand même envisager de traiter vos beats de manière à ce qu’ils aient un son unique pour votre propre piste. Nous avons quelques bons conseils sur la façon de le faire, alors continuez à lire !
7. Faites ressortir le meilleur de votre kick
La partie basse de votre kick lui donne l’énergie nécessaire, mais la partie haute, souvent négligée, est une partie qui le fait vraiment ressortir dans le mixage.
Assurez-vous de représenter à la fois les basses et les hautes fréquences de votre kick. Vous pouvez mélanger deux échantillons différents et séparer les fréquences à l’aide d’un égaliseur.
8. Accordez vos toms !
Votre batterie a une tonalité, et cela peut être particulièrement visible dans certains échantillons de kick. Dans la mesure du possible, essayez de faire correspondre la tonalité de votre batterie à celle de la chanson.
La plupart des logiciels audionumériques disposent d’un plugin d’accordage qui peut détecter automatiquement ce paramètre. Vous pouvez alors soit accorder les échantillons de batterie que vous utilisez, soit rechercher des échantillons de batterie dans la tonalité requise.
9. Utiliser la compression sidechain
Pensez à utiliser la compression sidechain sur vos autres pistes pour atténuer le son lorsque le kick est joué. Cela permet de faire ressortir le son du kick pour lui donner beaucoup plus de punch.
10. Référence par rapport à d’autres pistes
Pendant le processus de mixage, vous devez comparer votre piste de batterie à d’autres pistes bien produites dans le même genre.
Lorsque vous vous concentrez sur le processus de mixage, vous pouvez vous concentrer et commencer à remettre en question certaines décisions. Par exemple, vous pouvez avoir l’impression que le charleston est trop fort, mais il pourrait en fait être beaucoup moins fort que dans les versions commerciales.
En particulier pour les débutants, il est très difficile de mixer de la musique sans piste de référence. Au début de ma carrière, le fait de me référer à d’autres pistes m’a permis de remarquer que mes hi-hats manquaient toujours d’aigus, que ma caisse claire n’avait pas assez de punch et que mon kick ne ressortait pas bien dans le mixage.
Le fait de mixer contre des versions commerciales peut nous donner un sentiment d’infériorité au début, mais vous devez placer la barre haut si vous voulez devenir un grand producteur.
Votre batterie ne sera probablement pas écoutée de manière isolée dans la piste. Essayez de prendre du recul et de mixer votre batterie dans le contexte de l’ensemble de la chanson.
Il vaut également la peine de lancer une chaîne de masterisation générale sur votre morceau pour essayer d’avoir une idée de ce à quoi ressemblera la chanson lorsque le volume sera porté à des niveaux commerciaux (on peut parler de pseudo-master. Mais votre chanson sonnera beaucoup mieux si vous consacrez plus de temps au mastering ou, de préférence, si vous l’envoyez à un excellent ingénieur de mastering). L’utilisation intensive de limiteurs peut supprimer certaines des transitions de vos gros coups, de sorte que votre batterie n’aura peut-être pas autant de punch. Tenez-en compte pendant le processus de mixage et soyez prudent lors du mastering.
11. Utiliser la compression
La compression peut rendre le son de votre batterie beaucoup plus percutant et faciliter son mixage. Cependant, il est facile de surcompresser les pistes de batterie (ce qui n’est peut-être pas le son que vous recherchez). Compressez vos pistes jusqu’à ce que vous puissiez l’entendre, puis diminuez un peu la compression !
Pensez à compresser et à traiter vos rythmes comme des pistes de batterie individuelles. Vous pouvez obtenir beaucoup plus de vos rythmes de batterie en traitant chacune des pistes différemment. Par exemple, le producteur Rudimental compresse fortement ses pistes de batterie sur une base individuelle, puis les mixe toutes ensemble en utilisant un compresseur.
12. Utiliser la saturation
La saturation est un outil formidable qui est souvent négligé. Elle peut donner à votre piste un son beaucoup moins numérique tout en ajoutant une tonne de punch.
Il est très facile d’aller trop loin dans la saturation. C’est une question de préférence, mais comme pour la plupart des effets, je recommande de l’augmenter jusqu’à ce qu’elle soit perceptible, puis de la réduire un peu.
Deux excellents plugins de saturation gratuits sont le SoftTube Saturation Knob et le CamelCrusher. Ils sont de très bonne qualité. Il n’y a aucune raison pour que vous ne les téléchargiez pas tous les deux ! Consultez notre article sur les meilleurs plugins de saturation et de distorsion pour en savoir plus.
13. Sculpter votre son avec l’égaliseur
N’ayez pas peur de sculpter votre son en utilisant l’égalisation. Peut-être n’avez-vous besoin que des médiums et des aigus de vos charlestons. Dans ce cas, supprimez les basses. Si vous utilisez plusieurs échantillons dans le même but, n’hésitez pas à séparer ces sons à l’aide de l’égaliseur. Cela peut aider à réduire les problèmes de phasing.
Tout producteur de musique devrait être familiarisé avec l’utilisation des égaliseurs. Nous n’allons pas entrer dans les détails ici, mais si vous avez besoin d’apprendre à les utiliser, cherchez des tutoriels sur Youtube.
14. L’automatisation est votre amie
Utilisez les capacités d’automatisation de votre station audionumérique pour donner vie à vos rythmes. Automatisez le son de votre filtre de coupure, de la réverbération, des effets de délai, du volume, et bien plus encore ! L’automatisation de ces processus peut apporter une toute nouvelle dimension à votre son.
15. Demandez l’avis d’un ami
Il est facile de perdre la perspective après avoir travaillé sur un morceau pendant une longue période. Lorsque votre titre est d’un bon niveau, pensez à l’envoyer à un autre producteur de musique ou à un ami qui a une bonne oreille musicale.
Envisagez de ne pas mentionner du tout la piste de batterie et vérifiez s’ils y prêtent attention de manière positive ou négative.
Ne prenez pas les commentaires à cœur. L’envoi de vos morceaux peut être une expérience vulnérable. Mais il vaut mieux corriger les problèmes dès le début que de le regretter après la sortie !
Résumé
Voilà donc nos 15 conseils pour améliorer votre programmation de batterie. Cela vaut la peine de consacrer un peu de temps à déterminer ce qui fonctionne vraiment pour votre style de musique.
Essayez de commencer à appliquer ces conseils dès aujourd’hui et intégrez-les à votre propre matériel dès que possible. La production musicale est un processus qui s’apprend sur le tas. Il est facile de suivre les autres, mais cela peut être une toute autre histoire lorsque l’on essaie de le faire soi-même.
L’un de ces conseils vous a-t-il été utile ? Avez-vous d’autres conseils à ajouter ? Veuillez les écrire dans les commentaires ci-dessous.